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LA LÍRICA EN LA EDAD MEDIA
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2.1.LÍRICA
PRIMITIVA
POPULAR
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JARCHAS
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-Compuestas a partir del siglo XI en árabe o hebreo
vulgares, y en romandalusí.
-Una joven cuenta su sufrimiento
amoroso a su madre, amigas y hermanas; el entorno urbano.
-En general, presentan versos cortos
con rima consonante.
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CANTIGAS
DE
AMIGO
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-Compuestas en los siglos XIII y XIV,
en gallego-portugués.
-Una joven enamorada expresa sus
sentimientos a su madre, amigas y hermanas; importancia de la naturaleza
(personificada). Destaca el recurso al paralelismo.
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VILLANCICOS
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-Recogidos en el siglo XV y escritos en
castellano.
-Son los versos iniciales de un poema
culto.
-Una doncella enamorada se lamenta por
su situación en un entorno rural; hay también villancicos de alabanza a la primavera,
canciones de trabajo…
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2.2. LÍRICA
PRIMITIVA
CULTA
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LÍRICA
CATALANA
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-Corresponde a la poesía trovadoresca,
cultivada en los siglos XII (Provenza) y siglo XIII (Cataluña) en una lengua
homogénea; se conservó en cancioneros. Compuesta por los trovadores (arte
refinado, métrica rígida) y difundida
por los juglares.
-Desarrolla la concepción del amor
cortés, entendido como servicio a la dama (modelo feudal).
-Subgéneros:
* Cansó: de carácter amoroso ; yo poético masculino.
* Sirventés: expresión de ira, polémica o
discurso moralizante.
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LÍRICA
GALLEGO-PORTUGUESA
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-Compuesta
en los siglos XIII y XIV en gallego-portugués.
-Manifestaciones:
*Cantigas de amor. Herederas de la poesía
provenzal; yo poético masculino; tono triste y tormentoso; entorno urbano y
palatino.
*Cancionero de burlas. Cantigas de escarnio y
maldecir.
*Cancionero religioso. Cantigas de Santa
María, de Alfonso X el Sabio.
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LÍRICA
ÁRABE Y HEBREA
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-Poemas
estróficos cultivados en los siglos X y XI, en al-Ándalus. Son textos de
carácter amoroso (con frecuencia de tipo homosexual) y escenario urbano.
-Manifestaciones:
* Moaxaja. En árabe o hebreo clásicos, se
rematan con una jarcha.
* Zéjel. En árabe dialectal, sin jarcha.
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2.3.POESÍA
CANCIONERIL
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-Cultivada en el siglo XV, en Castilla,
por poetas cultos; basada en la poesía trovadoresca y recopilada en
cancioneros.
-Temas: poesía amorosa (concepción del
amor cortés), moral (actitud crítica y estoica) y religiosa (crítica de la
corrupción).
-Métrica: versos octosílabos (pie
quebrado) y de arte mayor (dodecasílabo).
-Subgéneros:
* Cantigas: breves, de tema amoroso.
* Decires: más largos, abordan todo tipo de
temas.
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MARQUÉS
DE SANTILLANA
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Autor de poesía moral, política y
alegórico-narrativa; importancia de las serranillas.
Introductor del soneto italiano.
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JUAN
DE MENA
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Obra: Laberinto de Fortuna,
en dodecasílabos; complicación del léxico y de la sintaxis.
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JORGE
MANRIQUE
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Coplas a la muerte de su padre: es un poema elegíaco por la muerte
de don Rodrigo Manrique. La estructura es de 40 estrofas con una parte
general (tres vidas, muerte igualadora, ubi sunt?) y la exaltación de la vida
del padre. Los temas: muerte, fama y vida eterna. Métrica: coplas manriqueñas
de pie quebrado (8ª 8b 4cc 8ª 8b 4c 8d 8e 8f 8d 8e 8f)
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1 2.1. LÍRICA PRIMITIVA POPULAR
Ø JARCHAS:
Las jarchas son los versos que cerraban las moaxajas.
Compuestas en árabe o hebreo vulgares, o en romandalusí,
la relación que mantienen con la moaxaja no es siempre la misma: a veces se establecen
comparaciones entre amabas y en otras ocasiones son independientes.
Aunque pueden alcanza hasta 8 versos, la mayoría de las jarchas
constan de 4 versos, sobre
todo hexasílabos y octosílabos, con rima preferentemente consonante.
El
tema es casi siempre amoroso: el
emisor, una joven enamorada, cuenta su sufrimiento a su madre, hermanas o
amigas, en un entorno urbano.
Las jarchas se caracterizan por la simplicidad y el
escasísimo empleo de rasgos expresivos (reiteraciones,
interrogaciones y exclamaciones). Un rasgo característico es la mención del
amado por medio del sustantivo habib
(“amigo”, en árabe).
Ø
CANTIGAS
DE AMIGO:
En las cantigas de amigo
gallego-portuguesas, el emisor es también una muchacha
enamorada que expresa sus sentimientos a su madre, hermana o amigas:
dolor por la muerte o ausencia del amado, ansiedad, melancolía o alegría por su
regreso. En ellas, la naturaleza cobra gran
importancia: el mar, los prados, las fuentes, los montes, los
ciervos…, con los que el yo poético se identifica y a los que se dirige para
preguntarles por el amigo ausente.
A diferencia de las
cantigas de amor, las de amigo presentan un lenguaje popular
y un léxico concreto.
Su forma habitual es la estrofa monorrima, seguida de un estribillo también
monorrimo, pero con una rima distinta. Su principal recurso estilístico es el paralelismo.
En las cantigas de amigo
suelen distinguirse tres subgéneros:
-
Cantigas de romería. El lugar de encuentro de los
enamorados es una ermita, una romería o un santuario.
-
Cantigas de mayo. El escenario es primaveral, un
entorno idealizado para el encuentro amoroso.
-
Cantigas marineras. Se localiza en la orilla del mar.
Ø
VILLANCICOS:
En Castilla se componen poemas cultos cuyos primeros
versos se denominan villancicos. El resto de la composición constituye
su glosa (comentario del motivo del villancico inicial realizado por un poeta
culto). Los textos
conservados no son anteriores al siglo XV, pero se considera que los
villancicos son más antiguos.
El tema más común es el amoroso y coincide con el de las jarchas y las cantigas: una doncella enamorada se lamenta
por su situación. El lugar del encuentro es un entorno rural, el que cobra relevancia el agua (fuentes, ríos…). Son frecuentes los motivos de los cabellos de la joven y las flores (que cortados simbolizan la pérdida de la virginidad), la
espera, el insomnio, el encuentro o la despedida al amanecer, la noche de San
Juan…
En los villancicos es
frecuente la ausencia de
adjetivos, el predominio de los verbos de movimiento y de los diminutivos, las
oraciones exhortativas y desiderativas, las repeticiones y los paralelismos.
La descripción femenina
posibilita distintos tipos
de villancicos: la mujer morena
(la morenica), la malcasada, la
malmojada, la niña enamorada. Otros villancicos cantan la llegada de la
primavera o son canciones de trabajo , de vigía…
2 2.2. LÍRICA CULTA
Ø
LÍRICA
CULTA CATALANA
En el siglo XII surgió en Provenza (región del sur de Francia) la poesía
trovadoresca, cuyo centro de gravedad se desplazó a la vecina Cataluña en el
siglo siguiente. Esta poesía se recoge en casi cien cancioneros: antologías más
o menos extensas que, a veces, contienen notaciones musicales de los textos.
La poesía trovadoresca,
de carácter lírico, fue obra de autores conocidos y se expresó en una lengua homogénea, por encima de las
variantes dialectales de los poetas.
Fue cultivada
por trovadores, que pertenecían a
distintas condiciones sociales y tenían una sólida formación. Sus
composiciones destinadas
al canto, fueron divulgadas
por músicos-cantores: los juglares.
Sus intérpretes, a diferencia de los que transmitían otro tipo de poesía,
estaban obligados a ser fidelísimos a los textos.
Los trovadores crearon
un arte refinado, difícil,
sometido a leyes rígidas: la versificación se basaba en el número de
sílabas del verso y la rima
debía ser rigurosamente consonante; la extensión más frecuente de las
estrofas o coblas era de 8
versos, con las mismas rimas en cada una.
Los trovadores
cultivaron básicamente dos
géneros:
o
Cansó. Composición de carácter amoroso,
siempre de hombre a mujer, que refleja la ideología feudal: las relaciones amorosas
son equiparadas a las relaciones feudales entre señor y vasallo, por lo que en
ellas se empleaba el lenguaje del feudalismo para expresar los sentimientos.
o
Sirventés. Composición que se empleaba como
forma de expresión de ira, reprensión, ataque personal, polémica literaria o
discurso moralizante.
Como los trovadores
estaban íntimamente ligados a las cortes, estas tuvieron una importancia
decisiva en su obra.
La cortesía, en oposición a la villanía (rusticidad), suponía la perfección
moral y social, e incluía los conceptos de lealtad,
valentía, generosidad, educación, trato elegante y refinamiento.
El amor cortés era el arte de amar de la cortesía y fue entendido como un
servicio a la dama, considerada un ser superior.
El amante/vasallo pasa por cuatro grados o etapas: feñedor (aún no se atreve a expresar
sus sentimientos a la dama), precador (ya le manifiesta sus sentimientos),
entendedor (es correspondido por ella) y drudo (se convierte en su amante).
El amor cortés se
expresa con una terminología especial:
la mesura (moderación, que exige dominio de sí mismo y humildad), la largueza
(generosidad), la mercé (piedad, misericordia), el joi (gozo).
Como la dama es, por lo
general, la esposa del señor feudal, se exige la discreción del enamorado, que debe cuidarse del gilós (celoso:
marido) y de los lisonjeros (aduladores) que lo acompañan. Por esto empleará en
sus poemas la senhal (seudónimo para designar a la dama).
Ø
LÍRICA
CULTA GALLEGO-PORTUGUESA
En la lírica culta
gallego-portuguesa sobresalen las cantigas de amor,
cultivadas en el oeste peninsular durante los siglos XIII y XIV.
En estas composiciones
se advierte la influencia de la poesía
trovadoresca, que llegaba, entre otras vías, a través de los peregrinos que
transitaban el Camino de Santiago (entre los que también había trovadores).
Son herederas de la
cansó provenzal tanto en el léxico utilizado como en la presencia de
determinados tópicos. El yo poético es un hombre que se dirige a una dama –su
senhor (señor)-, ante la que se queja de su indiferencia o actitud hostil.
En las cantigas de amor,
el gozo amoroso de las
cansós se transforma en tristeza y
tormento, y amar y morir se equiparan. No hay presencia de elementos de la naturaleza: el
entorno es urbano, más bien
palatino. Formalmente presentan una métrica
variada y artificiosa, y una división estrófica compleja.
Además de esta vertiente
amorosa, la lírica culta gallego-portuguesa incluye también un cancionero de
burlas y un cancionero religioso.
o
Cancionero
de burlas. Está
integrado por dos tipos de composiciones: las cantigas de escarnio (sátiras
veladas y encubiertas de carácter personal) y las cantigas de maldecir (ataques
directos a grupos o personas concretas).
o
Cancionero
religioso. Está
constituido por las Cantigas de Santa María, obra del rey Alfonso X el
Sabio. De las 420 cantigas, solo 64 son de carácter lírico, de loor o alabanza
a la Virgen y referidas a festividades religiosas; la mayoría son narrativas y
relatan sus milagros. Los versos varían entre las 2 y las 24 sílabas, y entre
ellos destaca el alejandrino.
Ø
LÍRICA
CULTA ÁRABE Y HEBREA
En los siglos X y XI
surgieron en al-Ándalus dos tipos de poemas estróficos: el zéjel y la moaxaja.
El tema fundamental de
ambas composiciones es el amor, frecuentemente de tipo homosexual. El escenario
es urbano (se mencionan ciudades como Sevilla, Huesca, Guadalajara, pero
también Bagdad), y aparecen referencias a la flora y la fauna características
de al-Ándalus.
Entre la moaxaja y el
zéjel existen diferencias relativas tanto a la lengua de la composición como a
la estructura:
o
La
moaxaja. Se escribió
en árabe clásico, pero pronto fue adoptada por poetas hispano-judíos, quienes
emplearon el hebreo clásico. La última estrofa se remataba con unos versos,
denominados jarcha.
La moaxaja posee dos clases de rimas:
una distinta para los primeros versos de cada estrofa y otra igual en los
últimos versos de todas las estrofas:bbbaa, cccaa, dddaa…
o
El
zéjel. Se compuso en
árabe dialectal y carecía de jarcha. Presenta en cada estrofa un estribillo
inicial y un trístico monorrimo (mudanza) que se cierra con un verso de vuelta
que conecta con el estribillo: aabbba, aaccca, aaddda …
2.3. POESÍA
CANCIONERIL
En los dos primeros
tercios del siglo XV, la nobleza se
reunía en los palacios y se dedicaba al cultivo de las ceremonias cortesanas y
ala poesía, como forma de evasión del desorden sociopolítico imperante. Así
surgió la poesía cancioneril.
La poesía cancioneril
castellana tiene su base
en la poesía trovadoresca.
El nombre de poesía
cancioneril se debe a que se
encuentra recopilada en cancioneros. En estas colecciones se recogen dos
tipos de composiciones:
o
Cantigas. Eran poemas breves destinados al
canto, normalmente de tema amoroso. Tenían una forma fija, constituida por la
cabeza (que expresaba el motivo de la composición), variación (serie de versos
con rima diferente a la cabeza) y vuelta (versos finales que retoman la rima de
la cabeza).
o
Decires. Se trataba de composiciones más
largas –líricas o narrativas-, compuestas por un número indeterminado de
estrofas y destinadas a la lectura. Desde mediados de siglo se denominaron
coplas.
En cuanto a la métrica:
La poesía cancioneril prefiere el octosílabo
grave (con acento en la séptima sílaba), acompañado a veces del quebrado (tetrasílabo) y el verso de arte mayor (frecuentemente
dodecasílabo), dividido en dos hemistiquio, con dos fuertes acentos en cada
uno, separados por dos sílabas átonas.
En cuanto a la temática:
Ø Poesía amorosa
Exceptuando casos como el Cancionero de Baena que
contiene en su mayor parte poesía moral o didáctica, el tema principal de la
lírica cancioneril es el amor, y su ideología, la del amor cortés.
El amor se presenta como una fuerza sobrecogedora que se incrementa con la resistencia de la
amada: se acepta el sufrimiento por amor, y hasta se halla placentero; incluso
se prefiere la muerte por amor a su carencia. A veces, la mujer aparece como
“bella dama sin piedad”, a la que el enamorado suplica insistentemente.
El léxico expresa metafóricamente el
sometimiento del caballero a la dama (servidumbre, servicio, cárcel, cautivo) y también se relaciona con la guerra y con
la religión (la dama es el dios del amado, se la adora…). No aparece
descripción alguna de la mujer: solo se habla de sus ojos y del corazón.
En muchos casos, se
percibe una corriente de erotismo,
que incluso llega a ser obscena. Con eufemismo se alude a las relaciones
sexuales: morir, muerte, paraíso, servir, dolor, vencer, galardón, pena…
adquieren valores relacionados con el sexo.
Ø Poesía moral y religiosa
La poesía cancioneril aborda también cuestiones relacionadas
con la inestabilidad socioeconómica del
siglo XV. Algunos poemas critican
los abusos de grupos o individuos; otros condenan el mundo en general; y un tercer grupo propugna una actitud estoica –de
fortaleza y dominio- entre los abusos de la Fortuna, a la vez que censura el
presenta y profetiza sobre el futuro.
La poesía religiosa
critica la corrupción y relajación de las costumbres; su objetivo es
provocar sentimientos de pena y piedad basándose en el amor desinteresado.
Incluye gozos, pesares y loores de la
Virgen, y en el último cuarto de siglo, se incorpora la figura de Cristo.
Poetas del siglo XV:
En la primera mitad del siglo XV
destacan entre los poetas cancioneriles dos autores: Íñigo López de Mendoza,
marqués de Santillana, y Juan de Mena. En la segunda mitad de la centuria
sobresale la figura de Jorge Manrique.
Ø El marqués de Santillana
Formado en la corte de Alfonso V de Aragón, el marqués de
Santillana cultivó la poesía moral (Proverbios, Diálogo de Bías
contra Fortuna), política (Coplas, Doctrinal de privados) y
alegórico-narrativa (El infierno de los enamorados, El triumphete de
Amor, La comedieta de Ponza).
En su producción sobresalen las serranillas, que narran el
encuentro entre un caballero y una pastora. Estas composiciones contraponían
personajes de estamentos sociales muy diferentes.
El marqués de Santillana intentó también aclimatar al
castellano el soneto italiano; a esta forma estrófica corresponden 42 de sus poemas.
Ø Juan de Mena
Autor de cantigas y decires amorosos de tono intelectual y
estilo artificioso, la obra más destacada de Juan de Mena es Laberinto de
Fortuna, dedicada al rey Juan II. En este extenso poema emplea el
dodecasílabo, complica la sintaxis y el léxico, e introduce múltiples topónimos
y listas de autores.
Ø Jorge Manrique
Jorge Manrique, sobrino del escritor Gómez Manrique y miembro
de una familia fuertemente involucrada en la política y la milicia, es el
máximo representante de la lírica castellana en el siglo XV.
Como poeta cancioneril, cultivó la poesía amorosa y burlesca;
pero su obra cumbre es el poema elegíaco Coplas a la muerte de su padre.
Coplas a la muerte de su padre: constan de 40 estrofas denominadas coplas manriqueñas de pie quebrado.
Las coplas manriqueñas están constituidas por 12 versos que
siguen el esquema métrico 8ª 8b 4c 8ª 8b 4c 8d 8e 4f 8d 8e 4f.
En la obra se distinguen dos
partes: la primera, de carácter general, comprende las primeras 24
estrofas; en la segunda (las dieciséis coplas restantes), se exalta la figura
del padre del autor, don Rodrigo Manrique.
o
Coplas
I-III: Doctrina del menosprecio del mundo, que incita a desdeñar la vida
terrena.
o
Copla
IV: Invocación a Dios, en consonancia con la tradición cristiana.
o
Coplas
V-VII: Alternativa: orientar la vida terrenal hacia la conquista de la vida
eterna.
o
Coplas
XI-XIII: Referencia a la fugacidad de las cosas terrenas.
o
Copla
XIV: Reiteración de la idea de la muere como igualadora, ya aludida en la copla
III.
o
Coplas
XV-XXIV: Ciclo del ubi sunt?; nueva mención a la muerte igualadora e
inevitable.
o
Coplas
XXV y XXVI: Enumeración de las virtudes del maestre don Rodrigo.
o
Coplas
XXVII-XXVIII: Exaltación de don Rodrigo Manrique, comparándolo con prototipos
de la Antigüedad.
o
Coplas
XXIX-XXXII: Resumen de la vida militar del maestre.
o
Coplas
XXXIII- XL: Diálogo del maestre con la muerte, invocación a Dios y estrofa de
cierre, en la que se cuenta cómo ha muerto don Rodrigo.
El estilo empleado por Jorge Manrique en las
Coplas, caracterizado por su naturalidad,
es profundamente innovador en relación con la tradición literaria anterior. El
poeta sustituye el estilo elevado de la gran poesía del siglo XV por un estilo humilde, en el que adquiere
relevancia el uso de sentencias.
Manrique deja a un lado los recursos
eruditos y otros característicos de la poesía de su época, para centrarse en el
empleo de metáforas e imágenes. En
relación con la presencia del ubi sunt?, en las Coplas son habituales también
las interrogaciones retóricas.
El uso de un estilo sencillo debe
contemplarse a la luz de la finalidad de
la predicación; de este modo, el autor pretendía llegar a todos los
públicos.
Temas:
o
el
tema de la muerte
como personaje vengador y despiadado, poseedora de un poder igualatorio y
contra la cual es imposible oponer resistencia, fue recurrente en la literatura
castellana del siglo XV. Para los hombres de finales de la Edad Media, la
muerte poseía una profunda connotación religiosa, pues representaba el momento
de la salvación o la condenación eternas.
En las Coplas, Manrique no describe la muerte con rasgos
macabros, sino que la presenta como ministra de Dios.
o
La
fama y la vida eterna.
Aunque el tema de la fama se encuentra en otros escritores del siglo XV, en las
Coplas aparece utilizado con el sentido en que se empleaba en Italia en esta
centuria: la fama adquirida por los actos realizados en esta vida repercute
favorablemente en el goce que los bienaventurados tendrán en la otra. Gracias a
las buena sobras realizadas en su vida terrena y a la fama adquirida por ellas,
don _Rodrigo consigue vencer a la muerte y alcanzar, de esta forma, la vida
eterna.
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